それは刺繍芸術はアートであるのか、それとも工芸であるのか？という問いへの答えへと近づくためだ。

フランスでの修行を終え帰国 した私は、職人とアーティストの存在意義の違いを模索し始める。

そして、技を極める道と想像力を解放する道は決して自然に交差す ることはないことを痛感する。

では刺繍のデザインとは何なのか？

　そのヒントを得るために私は絵を描き始めた。

　刺繍の歴史は古く、青銅器時代には既に各文明で刺繍の原型となる「糸による装飾」が衣服に施されていた。古代エジプトのファラオの墓から刺繍の布切れが発見されていたり、また中国文明では4000年前頃から刺繍芸術が発展する。日本では飛鳥時代に大陸から刺繍技法が渡ったのちに独自の発展を遂げていく。

刺繍に多用されてきたデザインには、宗教装飾、図柄の反復繰り返しである紋様、民藝運動などの装飾美術に見られる様な工芸的なデザインがある。世界中で同時多発的に発達してきたにも関わらずこの様な共通項があるのには、刺繍芸術の発展の仕方に関連があると私は考えている。世界中を探しても刺繍の担い手は女性であることがほとんどである。嫁入り修行として刺繍が発展した文化圏も多く、時間をかけて繊細な美しい刺繍を作り出す能力は、忍耐力があり気配りができる女性であるという証明になった。この様な発展を遂げてきた刺繍芸術が生活活動の一部に取り込まれた条件には、教育や資本、年齢に左右されず誰もが今日にでも始められるということが重要であったと想像できる。そのため刺繍技法やデザインにおいても、誰もが真似し易いことが求められたはずだ。故に何千年の歴史を経ても尚、当時の図案と同じ刺繍を今日も手に入れることができる。私がこれまで旅をしてきた中央アジア、モロッコ、グアテマラなどでは、民族博物館に飾られた刺繍と同じ図案の刺繍小物や衣服を街中で見つけることができた。刺繍芸術は生きた古代芸術とも言えるかもしれない。 一方で悲観的にこの現状を観察すると、刺繍は長い歴史の中で大きな芸術転換期を未だ迎えられていないとも捉えられる。

　今日の刺繍芸術はアートと工芸の狭間に落とし込まれていると私は感じる。

それに加えて機械刺繍の発達や消費者の購買に対する価値観の変化のため、不当な価格で刺繍物が販売されている現状がある。手仕事で良き物を作るということは、鍛錬と創造に長い時間を有する藝道であるべきであると私は思う。 効率化が求められる現代の消費社会において、人類は改めて需要の本質を自問自答するべきではないだろうか。だからこそ、私が理想

とする職人像とは「用の美」のみならず、主観的で感覚的な美学をも刺激できる作品を創造できるアーティストでもある必要があるのではないだろうか。

絵を描くことで何を探しているのか？

　僕はまず刺繍職人であり、つぎにアーティストである。

だから絵を描くのは、第一に絵を描くためであり、第二にアイデアを具象化する経験だけに的を絞って練習するためである。毎度刺繍で実験を行っていたならば、時間が足りないんです。作り出せる作品の数には限りがある、今世での時間がそうであるから。刺繍を構成する要素を「素材」「作図」「技法」としたとき、技法と作図では異なる能力が求められる。技法とは手と経験と知識に宿る。一方で絵を描くことは、精神や思想や記憶らをぐちゃぐちゃに畳み込み、それらを蒸留して生み出されるものだと私は思う。しかしそれでは作図にはならないのだ。幼稚園児の描く家の絵を建築家が実際に建てることはできない様に。絵を描くことは無責任であって良いのだ、デザインはそこに美が求められる、作図はさらにその先にある設計図のようなものであろう。作図とデザインと絵を描くことは何が違うのか？画家とイラストレーターの仕事が違う様に、それらには明確な違いがあるのだ。イラストレーターの彼らは美学をルール化する能力が長けている、少なくとも私はそう認識している。街中を彩る美しい広告は、誰が見ても決して正反対のイメージを抱く様なことは起きない。文化が変わってもそれが通用するのだから、彼らはやはり美の公式を理解し、応用する力がずば抜けている。しかし絵を描くというのは完全なる自由を求める行為である。それは言わば美の公式を破壊しようとする行為でもある。だから私とあなたで同じ絵を見たとしても、笑う人がいれば、泣く人がいる。

それこそが絵を描くことの美学だ。